Por Marco Carvacho.
“No vine a aprender. Vine a enseñar”. Con estas palabras, respondió Vicente Huidobro —entonces un joven chileno de 23 años— cuando le preguntaron qué lo traía a París. Recién llegado a París, se encontraba en el centro intelectual de las vanguardias europeas y en vez de adoptar una actitud de discípulo o aprendiz, como habría hecho cualquier joven latinoamericano ante figuras como Apollinaire, Reverdy o Cendrars, Huidobro se presentó con la seguridad de un igual.
Esta es una de las anécdotas más representativas del carácter vanguardista, provocador y visionario de Vicente Huidobro y ocurrió en 1916, cuando viajó a París por primera vez. Y no solo es una anécdota ingeniosa, es un manifiesto en miniatura de la visión huidobriana.
Expresa su rebeldía estética, su confianza radical en el poder creador de la poesía en particular y de las artes en general, y su lugar como pionero que buscó transformar el arte desde América Latina hacia el mundo.
Con esta frase enuncia su ambición de crear una estética propia y afirma su independencia creativa y no se queda, simplemente, como un imitador de las corrientes de moda. Encarna su actitud de ruptura y le declara la guerra al colonialismo cultural: un joven latinoamericano que no se subordina a Europa, sino que lleva una propuesta poética desde el sur al centro del arte mundial. Huidobro no fue un seguidor de las vanguardias europeas: se consideró su interlocutor y su par. Su personalidad se manifestaba en un estilo provocador, visionario, ególatra, y, a la vez, genial. Su actitud desafiante no era solo pose: estaba profundamente convencido de que la poesía debía reinventarse, y él sería el arquitecto de esa transformación. Ese mismo año, en París, Huidobro publicó “El espejo de agua”, su primer libro plenamente vanguardista, donde ya anunciaba las bases del creacionismo. Poco después, colaboraría con revistas literarias europeas, y su nombre empezaría a circular entre los poetas de avanzada.
Pero su impulso adelantado iba mucho más allá. Cuando Vicente Huidobro decide exponer —o más bien dejar por escrito en alguno de sus múltiples manifiestos— cómo debería funcionar el universo creativo que él estaba rediseñando, no se conforma con hablar solo de poesía. Su ambición era mayor: como fundador del creacionismo, quería transformar todas las expresiones artísticas, con un énfasis particular en las artes visuales. Desde muy joven, sintió que la poesía y lo visual iban de la mano, creciendo juntas, y por eso siempre buscó rodearse de artistas como pintores y escultores que compartieran su búsqueda estética.
De hecho, llegó a producir obras donde se mezclaban lo literario y lo plástico, dando forma a un tipo de arte híbrido que en su tiempo pasó desapercibido o no fue bien comprendido, pero que hoy, cien años más tarde, es visto como un antecedente importante del arte contemporáneo iberoamericano. En uno de sus poemas de juventud escribió: “No olvides que en ti llevas un loto azul: el Arte”, dejando ver que desde sus primeros años, el arte fue para él una especie de faro interior, una presencia constante que lo acompañaba y guiaba.
Para Huidobro, el arte era una forma de belleza única, algo que el ser humano puede crear pero nunca dominar por completo. Esa idea del arte lo hacía sentirse en un nivel distinto al resto: mientras muchos —a quienes él llamaba “pobres topos”— caminaban a ciegas, él se reconocía como un “lince”, alguien con una visión especial. Desde siempre, su forma de crear estuvo ligada a ver, a imaginar, a formar imágenes mentales que luego convertía en poemas, ilustraciones o cualquier otra forma de expresión. Más adelante también exploró el sonido, y hasta hubo quienes musicalizaron sus versos, aunque su vínculo más profundo y duradero fue con las artes visuales.
La manera en que Huidobro concebía la creación artística era tan innovadora que sus poemas no solo transmitían imágenes a través de las palabras, sino que desde el principio venían acompañados de una dimensión visual, que luego él se encargaba de llevar al plano material. Esto se hará evidente más adelante en sus “Poemas pintados”. Pero incluso desde sus primeros libros, escritos siendo apenas un adolescente, ya se notaba su interés por lo visual: jugaba con la forma de las letras y las palabras, experimentaba con su disposición en la página. Un ejemplo claro de esto son los caligramas incluidos en “Canciones en la noche”, publicado en 1913, cuando Huidobro tenía apenas veinte años, lo que sugiere que muchos de esos poemas los escribió con diecinueve o antes.
Los estudiosos han confirmado este temprano interés por lo visual: ya en obras como sus “Japonerías” de 1912-1913 y en “Capilla aldeana” de 1913 se aprecia una sensibilidad pictórica que más adelante alcanzaría su punto más alto en la exposición de 1922. Estos caligramas dan cuenta de una madurez artística inusual para su edad, una característica que marcó toda su obra. En muchos casos, esta precocidad se volvió una necesidad casi obsesiva: Huidobro quería ser pionero, estar siempre un paso adelante. Tener esa conciencia de su propio talento desde tan joven no debió ser fácil. Probablemente eso influyó en sus relaciones personales, que no siempre fueron sencillas, pero al mismo tiempo fue esa certeza la que lo impulsó a seguir creando, incluso frente a las dificultades y la escasa valoración que recibió en su época por parte de las instituciones literarias.
De hecho, nunca ganó el Premio Nacional de Literatura, ni el Municipal, ni ningún certamen literario importante en Chile. Uno de los episodios más curiosos en este sentido fue su candidatura al Premio Nobel: en 1926, un profesor irlandés logró que Irlanda lo postulara a este galardón internacional. La Academia Irlandesa solicitó oficialmente a la Academia Sueca el Nobel para Huidobro, que con solo 33 años ya había fundado el creacionismo y producido una obra notable. Aunque no lo ganó, ese gesto dejó claro el nivel con el que se valoraba su trabajo fuera de Chile, y marcó un estándar con el que su obra sería evaluada desde entonces.
Vicente Huidobro no fue solo un escritor de versos, articuló una visión artística integral que desbordó los límites de la literatura. Su propuesta creacionista no solo transformó la poesía, sino que impactó también las artes visuales, la música, el teatro, el cine y la reflexión estética moderna.
Aunque la poesía fue el eje de su obra y pensamiento, la relación de su poesía con las otras artes se manifiesta en múltiples pasajes de su obra:
En “Altazor o el viaje en paracaídas” (1931), el lenguaje se fragmenta y recombina en busca de una expresión autónoma. El uso de neologismos, el descentramiento del sujeto lírico y la disolución del sentido semántico, especialmente en el Canto VII, constituyen un acto radical de fundación poética:
“Tralalí, tralalá, larilí, lariló...” (Altazor).
Como se señaló, su relación con las artes Plásticas se evidencia no solo en sus Poemas Pintados y en sus Caligramas sino que también en los estrechos vínculos que mantuvo con artistas visuales de vanguardia en París, como Robert y Sonia Delaunay. Participó en revistas como Nord-Sud y Creación, integrando poesía e imagen bajo una disposición tipográfica innovadora.
En textos como “Poema del mar”, la estructura gráfica simula visualmente las olas, anticipando la poesía concreta. La disposición visual refuerza el carácter performativo de la página como espacio artístico. Inspirado por el simbolismo francés, su poesía utiliza la repetición, la aliteración y la disposición sonora para construir una experiencia auditiva. En Altazor, la fonética toma el lugar del sentido, y el poema se vuelve un espacio acústico:
“Rrrrrosequilibrio en el volcán del sueño” (Altazor).
En obras como “En la luna” (1924), se anticipan elementos del teatro del absurdo. Una de sus frases más representativas condensa su actitud crítica frente al lenguaje:
“¡No hablen tanto que van a gastar las palabras!”
Durante su estancia en París en los años 20, Huidobro escribió guiones y reflexionó sobre el cine como medio poético. En sus escritos inéditos afirma:
“El cine será el nuevo lenguaje del poema. El ojo deberá ser educado como lo fue el oído”.
Su guion “Cagliostro”, aunque nunca producido, es un ejemplo temprano del cruce entre imagen en movimiento y escritura vanguardista. En diversos manifiestos, Huidobro sostiene:
“El arte no debe copiar ni servir de espejo. Debe ser un organismo autónomo”.
Como se ve su propuesta tiene resonancias nietzschianas, al concebir al poeta como fuerza creadora, no subordinada a la realidad empírica.
Como vemos, la obra de Vicente Huidobro representa un esfuerzo sistemático por transformar todas las artes en espacios de creación autónoma. Desde la poesía hasta el cine, pasando por las artes visuales y el teatro, su propuesta apunta hacia una estética de la creación total, donde el artista se convierte en un generador de mundos.
Fue una figura que encarnó la provocación, la valentía y la invención. Su existencia entera se movió al ritmo de una convicción firme: la poesía (y las artes) no debía limitarse a reflejar el mundo, sino a inventarlo desde cero. Y vivió de acuerdo con esa idea, como si cada uno de sus gestos formara parte de un gran poema que desafiaba las reglas del arte, del mundo y del tiempo mismo.
Nacido en Santiago de Chile en 1893, dentro de una familia aristocrática, desde joven dejó claro que no quería seguir el camino establecido. Comenzó publicando versos influenciados por el modernismo, pero pronto se desencantó de su lenguaje adornado y recargado. “El adjetivo, cuando no da vida, mata”, sentenciaría más adelante. Mientras otros se sumaban al futurismo o al cubismo, Huidobro creó su propio camino: el creacionismo, un movimiento que proponía que la poesía no debía cantar lo que ya existe, sino inventar lo que nunca ha sido.
Polémico, directo, lúcido: en Chile fue un agitador del medio literario. Llamó plagiario a Neruda y acusó a la crítica tradicional de ser complaciente y cobarde. Fundó revistas, redactó manifiestos, y no dudó en atacar lo que consideraba mediocridad. Pero al mismo tiempo abrió nuevas rutas para una poesía radicalmente moderna, dispuesta a romper los moldes, a reinventar los géneros y a desafiar el lenguaje. En Altazor, su obra más emblemática, arrojó al poeta al vacío desde el paracaídas de la razón, en una caída hacia el desarme del lenguaje y la búsqueda de sentido en el abismo. Un viaje existencial que aún conmueve.
No fue una figura fácil de tratar: tenía un ego enorme, una pasión incontrolable, y una visión sin concesiones. Se autoproclamó “el pequeño dios” de la creación poética y vivió como tal. Participó en la Guerra Civil Española del lado republicano, resultó herido, y volvió a Chile convertido en un poeta que seguía combatiendo, pero esta vez con palabras. Fue celebrado por algunos y silenciado por muchos. Resultaba incómodo, era demasiado libre.
Murió en 1948, y en su epitafio “Abrid esta tumba: al fondo se ve el mar.” se resume su carácter y su vida: belleza, profundidad, rebeldía. Vicente Huidobro fue un poeta que convirtió su existencia en un acto de creación, y su poesía, en una declaración de libertad total. Intenso, contradictorio, adelantado a su época, vivió la vanguardia no como una postura estética, sino como un destino inevitable.
